Yayoi Kusama nació en Matsumoto (Japón) en 1929. Las flores son un tema recurrente en la obra de la inclasificable artista japonesa. Kusama utiliza el tema de las flores tanto en sus pinturas y grabados como en esculturas e instalaciones, happenings y performances, siempre con un tratamiento absolutamente personal, propio de la genialidad de la artista. Desde muy chica experimentó alucinaciones y pensamientos obsesivos, e incluso una naturaleza suicida. Su estilo es definido por la propia Kusama como Obsessional Art.

En la actualidad vive, porque así lo ha elegido, en un sanatorio mental en Tokyo, donde sigue elaborando arte desde mediados de los 70’s cuando regresó de los EEUU donde había permanecido desde los años cincuenta. Su estudio se encuentra muy cerca del hospital. Nunca dejó de crear y trabajar. Su arte se basa en puntos y ésa es su conexión con el infinito. Actualmente está considerada como la artista viva más importante en Japón.

Yayoi Kusama dice en relación a su pintura Flor (1954): «Un día estaba mirando una flor roja en el mantel y vi los patrones que tenía, cuando miré al techo vi el mismo patrón y en las paredes, en mi cuerpo y en el universo. Me sentía girando en el infinito del tiempo y del espacio. Cuando me di cuenta, me asusté.»

Les Tulipes de Shangri-La de Yayoi Kusama – Gare Lille-Europe, Lille (59), France, es una escultura realizada para la exposición denominada «FLOWER POWER» en 2004, siendo Lille capital europea de la cultura ese año.

Flores de Yayoi Kusama (ampliar)

Esta la web oficial de Yayoi Kusama: www.yayoi-kusama.jp

Retrato de Yayoi Kusama

GIUSEPPE ARCIMBOLDO (1527-1593) pintor manierista italiano, es uno de los más originales pintores del Renacimiento, inventó un estilo de retrato en el que los rostros estaban compuestos por agrupaciones de flores, frutas, animales y toda clase de objetos. Algunos son retratos satíricos de personajes de la corte y otros son retratos alegóricos. Comenzó realizando diseños para ser reproducidos en los tapices y vidrieras de la catedral de Milán. En 1562 se trasladó a vivir a Praga y después a Viena, donde trabajó como pintor en la corte de los Habsburgo. La serie por la que es más conocido en la actualidad es por las Cuatro Estaciones, en la que, haciendo uso de los vegetales que brotan en cada estación, representa los hipotéticos rostros de las estaciones mediante los elementos típicos de cada una de ellas. Así, el rostro de la primavera está formado por flores, el verano tiene rostro de frutos y cuerpo de trigo, mientras que el otoño es un curioso compendio de hojas caídas, setas, y frutos. La serie concluye con el invierno, tal vez el retrato más complejo y menos descifrable de la serie, en el que se intermezclan elementos claramente secos y fríos, como la corteza que forma la cara, con otros más cálidos y vivos, como las hojas de la caballera y las dos frutas que cuelgan del cuello.

Sus obras fueron consideradas piezas curiosas populares y no adquirieron su justo valor artístico hasta que los surrealistas unos siglos más tarde, la redescubrieron.

Los críticos de arte debaten actualmente si estas pinturas eran caprichosas o el producto de una mente trastornada.

GIUSEPPE ARCIMBOLDO – Flora – 1591 (ampliar)

GIUSEPPE ARCIMBOLDO – Vertummus, un retrato de Rodolfo II (ampliar)

GIUSEPPE ARCIMBOLDO – (ampliar)

GIUSEPPE ARCIMBOLDO – Invierno (Winter) – (ampliar)

Séraphine Louis (1864-1942) representa un caso único en la historia de la pintura. Completamente autodidacta, Séraphine empezó a pintar a los 42 años de edad porque «escuchaba una voz que se lo pedía».

A quien un día dijera, a modo de resuelta revelación, que su más bella obra maestra era su propio jardín, Claude Monet (París, 1840 – Giverny, 1926) los jardines de su casa le sirvieron para inspirar muchos de sus mejores cuadros.

Durante 16 años Monet pintó los jardines en la hermosa serie de obras llamada “Nympheas”. Pintó una y otra vez las ninfeas o nenúfares del estanque en su casa de Giverny, donde pasó sus últimos años y donde casi ciego, pintó las plantas y flores de los jardines, el puente japonés, el estanque y diversos espacios de los jardines de Giverny.

Nympheas de Monet (ampliar imagen)

Como el mismo Monet reconoce, su interés por los nenúfares de su jardín llega a ser obsesivo. Sin duda Monet estaba muy orgulloso de su jardín. «Estos paisajes de agua y de reflejos me obsesionan. Todo esto está más allá de mis fuerzas de viejo, pero quiero representar lo que siento»

En 1998, su Bassin aux nymphéas et sentier au bord de l’eau se vendió en la prestigiosa galería londinense de Sotheby’s por 19´8 millones de libras, unos 33 millones de dólares. Nunca un estanque con nenúfares había dado tanto de sí.

Nympheas de Monet (ampliar imagen)

Estas obras del maestro impresionista pueden verse actualmente en el Museo de l´Orangerie.

A Monet, sin duda, le gustaba pintar al aire libre como a todos los pintores impresionistas, por lo que cultivó el gusto por el paisaje que a menudo aparece salpicado de fuertes colores debido a la presencia de floridos jardines. No solo en su serie nymphéas, sino en otras muchísimas obras realizadas a lo largo de su larga vida, podemos observar la presencia de flores y jardines.

Les Coquelicots a Agenteuil de Monet (ampliar imagen)

En la imagen inferior, podemos ver un cuadro de su amigo Renoir, otro pintor impresionista al que también le gustaban las flores y jardines, donde vemos a Claude Monet pintando el jardín de Agenteuil.

Monet pintando el jardín de Agenteuil, de RENOIR (ampliar imagen)

Inauguramos una nueva sección de flores y plantas en el arte, en la que nos gustaría recoger información y anécdotas sobre la presencia de las flores y las plantas en la Historia del arte.